薄塗、不薄塗、請先理解薄塗(III)：薄塗的準備

 

在薄塗之前，有幾個非常重要的準備工作，然而坊間的水彩畫書籍似乎都沒有說明到這些。這裡值得注意的是，我以下所說的準備工作是畫好畫的不二法門，每次畫水彩前都要先檢查一遍。這些準備工作並不僅限於薄塗，其他技法也會因這些準備而大大改善或簡化。

首先，薄塗前一定要確定你的工作區域是整齊乾淨的，這裡的整齊乾淨並不是說你得在無塵室畫畫。而是你的工具必須整齊排放好，而且不會干擾到你手的動作。大面積的薄塗會使手部揮動的幅度變大，如果在手部揮動的範圍中有雜物會擋住，請將它清除。不要嘗試著在狹小髒亂的空間做出大範圍薄塗。相信我，你做不到。

然後這裡還有一個初學者常犯的錯誤值得一提，那就是筆洗的位置，筆洗的位置不能超過你手能搆到的範圍，這樣會讓你手忙腳亂。更重要的，筆洗必須跟你的紙面分屬慣用手的不同側：假如你是右撇子，筆洗應該是在你慣用手的右邊，而畫紙在左手邊。而如果你是左撇子，筆洗應該在你的慣用手左邊，而畫紙在右邊。這個動作可以保證你在洗筆或稀釋顏色的時候不會不小心把水滴在畫面上。這個準則也適用於留白膠跟其他液體的輔助劑像牛膽汁、緩乾媒劑等。我曾在知名畫家Joe Dowden 的水彩教學影片花絮中看過，他把留白膠放在畫紙的前面，但是調色盤跟筆洗卻在畫紙後面。於是一個不小心，他把半瓶的留白膠倒在了畫紙上。當時他驚愕的表情令我難忘，而你也絕對不會想要這種糗事發生在你身上。

接下來的準備工作就是畫紙和紙面。畫紙如我之前所說。請你用純棉、無酸、140lb(300 gsm²)：真真正正的水彩紙。不要認為你能用便宜畫紙做出甚麼好的薄塗，而就算你做到了。那也只像人家坐高鐵來往北高兩市，而你能只拿著個碗一路要飯爬到目的地。這不是甚麼值得誇耀的事情，也沒人會稱讚這種行為，謝謝。

有了好畫紙後，紙面的角度則因人而異，我聽過的說法有7~22度、45度、也有人是直接平放或垂直用畫架來畫。我目前仍然沒有一個最佳答案，但我還是建議初學者將畫紙斜放，然後角度不要超過45度。這個角度能夠避免所謂的視角差，也能夠讓你的手腕保持一個較為輕鬆的姿勢。完全平放或垂直的紙會讓你的手腕或手肘卡在一個很奇怪的角度，造成不必要的疲勞。

在我們離開紙面之前，紙面上還有一個重要的點：就是留白。所有你想留白或是不想被薄塗到的區域請上好留白膠或貼上遮蓋膠帶。不要認為用筆直接留白是一件很「厲害」的事。那只會讓你的薄塗手忙腳亂或是完全失敗。上世紀美國的著名畫家John Pike 在畫22*30英吋(將近二開)的畫時也會大量使用留白膠，有些留白區域甚至大到快八開這麼大。良好的留白能使你的薄塗輕鬆不少，降低失敗的機率。

工作空間跟紙面說完後，接下來的東西就會較為繁瑣。所以我用條列式表現：

• 不要用太小的畫筆，儘可能用越大的筆進行薄塗越好。小筆含不住足夠的水分。
• 不要使用那種甚麼壓克力、油畫、水彩都能通用的畫筆，那種畫筆含水量跟出水的速度都不是很好。
• 請調出足夠完成這一次薄塗的顏料，量多一點也沒關係。如果你的調色盤太小無法容納這麼大量的顏料，你可以用個白色盤子或碗。我個人目前發現白色冰塊盒也是不錯選擇。當然，用完了就不要在拿來吃飯或製冰了。很多常用顏料都有含有重金屬。
• 不要忘記上面所說的步驟。

這些就是我認為薄塗之前所應該要有的準備步驟，至於技法和其他的議題，就等下回再作詳盡的解說。

薄塗、不薄塗、請先理解薄塗(I)：對薄塗的常見誤解

薄塗、不薄塗、請先理解薄塗(I)：對薄塗的常見誤解

     本格沉寂已久後終於又出新文章了，這快一年多的空白中基本上本格主一直在東奔西跑找參考資料，想把這格子弄得更為專業更全面些。在閱讀坊間很多水彩教學書籍後，我發現所謂薄塗 (Wash)是所有大師們認為初學者最該學的技巧。然後通常的練習法是這樣：

1. 把顏料稀釋成水狀。
2. 將畫紙傾斜30~45度。
3. 拿隻大圓筆(或平筆)飽蘸顏料，然後從左至右畫一長條。 
4. 此時剛畫好的長條下方會產生一條水珠狀的多餘顏料，置之不理。
5. 再度飽蘸顏料，沿者剛剛畫好的長條下方再度接續畫下去。
6. 重複(5)的動作，直到想畫好的平面都被顏料覆蓋為止。
7. 將筆擠乾，用乾畫筆吸取畫紙最下方的多餘顏料。 

如果格友手上的參考書籍是這樣寫的，很不幸，那是錯的，而且錯得離譜。 

     首先，薄塗這個翻譯本身就有問題，不是所有時候我們都用調成水狀的顏料在畫畫：一般只有打底色跟層疊時才會用到如此稀薄的顏料。換句話說，這個聲稱重要的技巧可能在你畫面上佔不到百分之二十，如此怎麼還會叫重要技巧？ 
     接下來的步驟也是很匪夷所思，將畫紙傾斜30~45度？我想應該沒有人在畫圖時還會拿個量角器來測量畫板的傾斜度。再者，有些水彩畫家是用直立畫架在畫畫的，有些是完全攤平在畫的。難道這些畫家不用薄塗嗎？還是本身這條件本來就有問題？
      再來說到上色程序，初學者最容易犯的錯誤就是誤解所謂「飽蘸顏料」這個字眼。在專業畫家的意思上，「飽蘸」指的是水彩筆吸收充足的顏料，而不是「過量」的顏料。吸收過量與吸收充足的水彩筆最大的差異在於前者筆頭會散開，筆觸會變形，甚至有時沾上的顏料還會滴到紙上。吸收過量顏料的水彩筆是畫水彩畫的大忌。但我好像從來沒有看過坊間水彩畫書籍有提過這個禁忌。而且接下來的一筆筆連接(步驟5、6)也是很危險的舉動：假設畫者是右撇子，那理所當然他畫圖會從左到右繪出筆觸，所以最左邊的畫面永遠最濕，而最右邊的永遠最乾。這樣的溼度不平衡很容易造成乾後筆觸不均勻，甚至會有回流的現象發生。這樣的薄塗真的是我們所要的嗎？
     問題其實都來自於對薄塗的不理解，在下面的文章中我會與大家分享一下心得以及常用的薄塗小技巧。

留白膠使用小技巧

留白膠的使用與否與個人習慣有關，它在水彩技巧中算是一個比較次要的技巧。然而，如果使用得當，留白膠的確可以幫助畫者能更有信心的上色並讓筆觸保持流暢，不用為了閃過某些要留白的地方使得筆觸變得遲疑而且雜亂。

但很好玩的是，坊間的水彩書籍對留白膠的使用，教的都是錯誤的技法比較多。如果初學者想使用留白膠，請一定要記住一個原則：你可以用任何東西來上留白膠，就是不能用筆刷。這個原則雖然聽起來很匪夷所思，但它其實是相當合理的一個原則。不能用筆刷來塗留白膠的原因如下：

• 使用留白膠時，坊間的水彩書籍都會說使用較舊或便宜的筆刷來塗留白膠，並且一定要常常清洗再沾新的留白膠。這會產生以下問題：
• 較舊或便宜的筆刷畫不出漂亮的筆觸，所以如果你留白的部位很細緻(通常都是這樣才要留白)，或是形狀彎曲。你的便宜筆刷會做不到。
• 有經驗的人就會知道，不論你怎麼洗，用過留白膠的筆就一定會有殘膠然後變形，也就是下一次你還是得買支便宜的筆刷，其實還是不經濟。
• 最後，在上留白膠的過程，你筆刷上的水會倒流進留白膠瓶裡，這樣會讓你的留白膠越來越稀，然後更有發霉/變色的可能。我們通常都不是用蒸餾水在畫畫的，通常都是一般的自來水。自來水不是無菌的，對於留白膠保存有潛在風險。

所以畫者必須要找到筆刷的代替品，它必須(1)能不受留白膠侵蝕，(2)即使留白膠乾後黏附在上面也沒有關係，(3)不用水也能清潔。而有沒有這種東西呢，答案是有的，但都不是傳統的水彩用具。個人目前覺得最好用的塗留白膠工具有兩種。

1. 針對比較大的留白區，我習慣使用粉彩用具裡的形筆。形筆的筆尖是用橡膠做的，很能反映畫者手指的壓力。我常用的形筆有兩種：一隻大的、一隻小的。而且形筆有凹槽，能夠含住留白膠，所以不用擔心要常常重新去沾留白膠補充。
2. 針對非常細緻的留白區，像是線條之類的，我就會用鴨嘴筆，鴨嘴筆的筆尖寬度能用手動調整，留出來的白色區域比用筆刷都要來的細緻且銳利。 

當然，這是我個人目前對留白膠使用歸納出的心得，如果有任何讀者對此有更佳的器材煩請不吝介紹。 

(譯文)如何調出合適的綠色(II)-系統性綠色調和法則

原文：Bruce MacEvoy 著 網址：http://handprint.com/HP/WCL/tech34.html

事實上，我們有一個很基本與簡單的綠色調和法則。這個具有系統性的法則能有效點明如何挑選調出綠色的顏料與解決一般畫者常遇到的綠色調色問題。使用這個系統性的法則能讓所有畫者調出心中所想要的綠色。

我們先把所謂的「原色」(譯者：指的是三原色或六原色系統)這個錯誤的教條拋開(譯者：原色理論是錯的，以後會寫文簡單證明)；並且把像色相環這種坊間過度簡化的色彩學理論也不論。我們回歸一個最簡單法則：調出正確的綠色需要三個顏料。一條或是兩條廠商生產的顏料是絕對不夠的。

這三個必須的顏料包含：

•    一個綠色的顏料，它可以是用單一色粉所製的純色，也可以是廠商先調好的方便性的綠色(像是樹汁綠sap green, 虎克綠 hooker’s green, 永久綠 permanent green)，更可以是你自己已經用黃色跟藍色所調出的綠色調。

• 一個黃色或藍色顏料，用來調整你之前所擁有的綠色色調(譯者：就是讓它偏黃或偏藍)。這個黃色的範圍可以從綠金/檸檬黃(帶有綠色調的黃色)到橘黃色；那藍色可以從紫藍色 (群青 Ultramarine) 到藍綠色 (譯者：像鈷土耳其藍 cobalt turquoice 或好賓牌的孔雀藍 peacock blue)

•  一個增加暖度或中和綠色用的顏料，它的範圍從橘色到紫色都可以，取決於你所想要得到的綠色色調。(少量使用黑色也是個可行而且有效的中和法)

譯者：看到這裡大家可能會有點霧煞煞，因為原文沒有實例證明，所以這裡譯者只好獻醜提供一個實際上的應用例：以下是我的咖啡豆罐子，有個綠色的蓋子，我想要調出紅線框中的綠色。

但我的調色盤長這樣，沒有相同的綠色。

 

所以我在挑選要調出這綠色的顏料時，我就依照Bruce MacEvoy給的法則，一個一個去挑出我要用的顏料：

• 我要先挑選出一個綠色，我的調色盤上只有兩個綠色：永久樹汁綠 (Sap Green) 跟 黃調溫莎綠 (Winsor Green Yellow Shade)

我知道我咖啡罐的蓋子是偏黃的暗綠色，所以我選擇了永久樹汁綠 (Sap Green)而不是黃調溫莎綠 (Winsor Green Yellow Shade)。  

•  接下來是要挑一個調整色調的黃色，我的調色盤中有三個黃色。它們分別是 溫莎黃 (Winsor Yellow)、淡鎘黃 (Cadmium Yellow Pale) 、以及新藤黃 (New Gamboge)。其中我先排除溫莎黃，因為它有點偏藍，用它調出咖啡罐的黃綠色範圍會太小。所以我的選擇剩淡鎘黃、以及新藤黃；我這裡選擇新藤黃，因為它比較透明。
  
  然後我試調了兩個顏料，也就是永久樹汁綠跟新藤黃，得到的結果很接近我要的咖啡罐色，但還是太亮了點。
  
  
  
• 這時重點來了，我要挑選一個一個增加暖度或中和綠色用的顏料，從繪畫色彩學中，我知道黃綠色的補色是藍紫色，我的調色盤上剛好有個藍紫色：溫莎紫 (Winsor Violet)，我把它跟剛剛調出來的黃綠色再做調和，這個顏色就很令人滿意了。
  

雖然還是略有一些差異 (掃描時顏色會變淡，這點真的無法克服)，但我們可以看到這系統性原則可以很簡單的調出我們想要的綠色。

 

(回到原文)

下面的圖可以把這個系統性原則跟繪畫色彩學裡的色相環連結在一起 (譯者：這裡Bruce MacEvoy用的是他自己的色相環系統，名叫藝術家用色相環) 。

綠色的基本顏料調和法

綠色調和的三系統性法則以及在繪畫色彩學的理論框架

很多藝術家會直接用方便性的綠色來取代黃+藍或黃+綠的配方，但還是需要至少額外的兩個顏料來變化色相跟明度，如此才能有足夠的綠色調色幅度。(當然，加水或白色來提高亮度跟加黑來降低亮度也是可行方法)。

我們似乎忘了提到一個可能性，那就是能不能靠加一個亮綠色來提高亮度？在實際繪畫上很少有畫家會這麼做。因為在風景或植物畫中，最有效也最動人的綠色通常都比較暗沉。一定比溫莎綠或青綠/氫氧化鉻綠 (Viridian)來的暗沉許多，甚至連虎克綠或樹汁綠直接使用都會過亮跟不真實。所以很多畫者會選擇一個方便性的綠色來降低混色弧度，然後藉此限制他們作品中的綠色鮮豔度。最後再透過加黃或加藍的方式變化色相，以及靠調和對比色或不飽和色來降低鮮豔度/明度。這樣就可以提供畫者所想要的綠色種類跟對比了。

譯者：在台灣我似乎還沒看到過有學生是這樣學調色的，但是我倒是在郭明福所著的風景水彩初階一書中看到他建議風景畫學生可以多買些不同的綠色顏料來應付自然界需求。這跟Bruce MacEvoy的看法不同，也與我的看法不同。孰優孰劣就看個人喜好跟經驗了。但我還是要重申多買些不同的綠色顏料不能取代良好的混色概念與技巧。Bruce MacEvoy在網站上提供的調色技巧與色彩學理論性解釋遠遠超過我在市面上看到的任何一本中文的水彩技法書。

所以這個畫家常用的綠色混色手法會引伸到一個概念，那就是我們能不能有單一一個基本綠色、它可以是個單一色粉顏料、廠商混和好的方便性的綠色、或是畫家自己的混和好的配方來接近他自己心中最佳的基本綠色。這樣要調色起來就方便多了，只剩後面兩個變化色相跟明度的步驟。

譯者：這個基本綠色概念能幫助畫者省去第一個選擇綠色的步驟，我的水彩啟蒙老師Ted Kautzuky就是用虎克綠來當基本綠色，然後靠加黃跟加藍來變化色彩，但他沒有提到要怎麼降低亮度，這不得不說是很多畫者會在教學時忽略的重要技巧。

然後這基本綠色概念到最後會跟前文所提的綠色三大問題有關：看出綠色、調出綠色、以及使用綠色。這些跟畫者的用色風格會緊密相連。用色風格通常包含有較暖、較冷、較亮、較暗、較鮮明或較為暗沉。不論是哪一種，它都會牽涉到人為刻意變化實景色彩。下方的圖示會將這些風格上的人為變化與畫用色彩學理論產生連結。

系統性綠色調色原則與變化實景色彩(用色風格)的關聯

看見綠色與使用綠色的繪畫色彩學理論框架

系統性綠色調色法則其實很簡單，就是理解前兩張圖其實只是六個變化的一體兩面：畫家在使用綠色時，變化其實只有六種。而這些人為刻意的變化會影響你調色時的顏料選擇；這些顏料選擇最終會決定你畫面中的綠色變異度及區分。而前兩者就是繪畫用色彩設計的基礎。

譯者：Bruce MacEvoy的意思很簡單，你的用色風格跟你的顏料選擇(調色盤設計)以及刻意的變化息息相關。如果不能理解畫用色彩學與色彩設計，發展自我風格無異是緣木求魚。這也就是為什麼古往今來的許多大師都擁有不同的用色風格，但卻能引起共鳴；而很多初學者試圖發展色彩風格，畫面卻雜亂無章的最大原因。大師們的用色風格是有理論依據的，而初學者通常還沒理解色彩背後的運作機制，就開始閉門造車，終至失敗。

那在色彩學的顏色三大特性(色相、彩度、明暗度)上，綠色的變化其實只有很簡單的三種。

第一個就是色相的變化：

•  加上黃色會讓綠色偏黃，而且通常會讓綠色變得比較鮮豔。因為黃色通常都比較亮，而且也比較飽和。

•  加上藍色會讓綠色偏藍，也同時讓綠色變深。通常也有人會說加了藍色會讓綠色變得比較不飽和，但這要看你的基本綠色決定，如果你的基本綠色本來就不是很飽和，加了藍色不一定會降低飽和度/彩度。通常綠色的明暗度跟色相比較容易受加入藍色影響。

第二個就是飽和度/彩度的變化：

• 這就很簡單，任何綠色只要加了少量對比色，就會偏向低飽和度與彩度。通常視加入的對比色而定，綠色加了對比色常會變暖、變暗、或是變灰。這三者其實都跟飽和度的降低有關。

第三個就是明度的變化：這有兩個方法。

• 第一個方法就是加水，加越多水就能讓顏料越稀釋，越可以讓白紙的反射光透過顏料層到達眼睛，看起來就越亮，明度就越高。

• 第二個方法其實之前就有提到，加入黃色能讓綠色明度增高，加入藍色或互補色能讓明度降低。

所以運用系統性綠色調色法則來思考如何調出綠色有個好處。它能夠同時解決如何調出綠色，以及同時增進你對於綠色的理解和綠色在畫面中的色彩設計。也就是說，它能一次解決如何看出綠色、調出綠色、跟使用綠色這三大問題。特別是這法則能夠最根本的改善你畫面上綠色的變化與對比。任何畫者，只要能了解綠色的六種人為刻意變化方法(也就是系統性綠色調色法則的另一面)來選出三個合適的顏料來調出綠色，進而藉由如何操控這三個顏料的比例來再現景物中的綠色對比，發展自我用色風格與增進對綠色的理解根本就不成問題。

譯者：所以以後在調綠色時，不要忘了你一定需要至少三個顏色。

(譯文) 如何調出合適的綠色(I)-綠色的三大問題

原文：Bruce MacEvoy 著 網誌：http://handprint.com/HP/WCL/tech34.html

對很多藝術家來說，綠色之所以很難調出主要有三個原因。

第一個問題是看出綠色，這相當令人驚訝。綠色是一種最難以準確區辨的色調。對於純綠色的概念，每個人的標準差異都很大，而且我們還很難區分某種綠色跟某種綠色的差異，而這也造成我們只有很少的字眼來形容並記住綠色。(我們可以比較一下我們拿來形容紅色、橘色、黃色的字眼，你會發現比綠色多太多了)。也因為如此，我們對於綠色的感知其實比較像是個「概念」：好像就是草地或是葉子應該有的顏色，而不是跟我們眼睛所真正感覺到的顏色。舉例來說，很多人腦袋中樹叢的綠色都太亮了，真實的樹叢通常都比較暗也比較不鮮豔。

譯者：這個原因我非常贊同，我們常聽到像玫瑰紅、磚紅、桃紅、橘子色、橙色，橘黃色、金黃色、鵝黃色、檸檬黃色。但綠色好像除了深綠、淺綠，草綠外就沒了，我還沒聽過有人說過甚麼西瓜綠或椰子綠這種字眼。我們有蘋果綠沒錯，但我們真的很常用這個字眼嗎?

第二個問題是調出綠色。當我們開始混和顏料時，會發現很難找到正確的顏料組合。我們是該混和藍色跟黃色、綠色跟黃色、還是綠色跟藍色？我們必須先判定需要的組合並獲得正確的綠色調，原因是綠色跟其他顏色調和不同(見上面第一個原因)。我們必須先了解顏料(色粉)的正確特性，然後選出正確的組合來達到想要的繪畫目標。當我們混和顏料時，我們也會發現混和綠色在色相環上通常不是一個線性的狀態，而是有弧度的(譯者：這裡Bruce指的是綠色加黃色通常會過度飽和而不真實，後面會用圖示說明)。除此而外，我們通常會認為只要兩個顏料就能調出綠色(譯者：小時候美術老師都說黃加藍就是綠色)，實際繪畫上我們需要起碼三個顏料。這些調色上的複雜問題使得顏料廠商生產出了一堆方便性的綠色(譯者：像是樹汁綠sap green, 虎克綠 hooker’s green, 永久綠 permanent green 1/2/3, 這些顏料其實都是由兩種以上的色粉混合而成，也就是說廠商先幫你調好色)，不管是哪家顏料廠，預先調和好的綠色比其他色系的預調色多了很多。

譯者：方便性的綠色在國外還常是某些畫家的賣點。像英國畫家Terry Harrison就跟英國Daler-Rowney顏料廠合作生產出屬於他自己的綠色系列，還廣受歡迎。你要上他的課就得買他的顏料。

最後的問題就是使用綠色，綠色是一種很難在畫面中被和諧的顏色。跟紫色一樣，綠色很容易會去充滿畫面並導致不和諧，即使只是少量使用。很多十九世紀的水彩畫家常常對此感到苦惱。更重要的是，綠色需要很多變化：在風景畫或植物畫之中，沒有變化的綠色會導致完全沒有生氣的畫面。這有部分是因為自然綠色的飽和度不足以及自然光的影響(譯者：自然光有很多顏色)，這兩者會迫使景物的綠色在不同的位置下偏藍或偏黃。另一部份是因為許多綠色的互相對比才能幫助我們看見景物原貌。

譯者：你如何把一棵長青樹從一大群樹林中區辨出來？在水彩中除了用綠色對比外我想別無他法。

特別在風景畫中，綠色通常都不是單調的平面，而是帶有著葉子跟枝條的質感、水分的飽和度與陰影、以及光線和空氣的質感差異。以上這些問題會不斷的進入畫者的腦中，我們必須不斷小心使用許多綠色並且試圖繪出想要的成果。

在很多的水彩畫書籍中，作者會用一個過度簡化的方法去應付這問題。那就是叫你：調很多的綠色出來！你就會心領神會了！。這方法沒有系統性，也沒有注意到畫面的整體性。很多作者只是印出一堆他調出來的綠色，好像只要照他這麼做你就會了。

 

好啦，我照做了，調出了一堆綠色，然後呢?

以上所示的綠色調色圖當然能夠讓你了解並熟悉「兩個」顏色互相混和能得到的綠色範圍廣度，但還是無法幫你克服你對綠色概念的不當認知 (譯者：這就是問題一)，以及讓你對自然界中的綠色有更佳的感知 (譯者：這就是問題三)。這就代表，如果你看到了某個風景中的綠色，你還是得要「猜」出哪幾個顏料互相混色才能得到你想要的那個綠色。

我們可以有更好的辦法。